Surcando un mar de Óleo Pedro León lleva a Venezuela en Curiara hasta China
Mientras escribo estas líneas “Curiara Waraina” va en plena travesía hacia el continente asiático, afortunadamente bien embalada y por aire, son 8.000 millas náuticas aproximadamente las que esta hermosa pintura tendrá que cruzar hasta llegar a la ciudad de Dafen, donde nos dará el gran honor de representarnos en la Primera Bienal Internacional del Óleo.
Un viaje que está lleno de expectativas muy positivas ya que su autor tiene gran experiencia como navegante del arte, el Maestro Pedro León Carrillo nos ha llenado el corazón de orgullo representándonos en anteriores ocasiones; Argentina, España, Colombia, Costa Rica, Estados Unidos, Italia, China, México, Perú y Panamá son las naciones por donde el artista ha ido dejando de alguna manera su huella y muy en alto el nombre del arte contemporáneo venezolano.
Tomando en cuenta que la ciudad de Dafen es la capital mundial de elaboración del Óleo y que tan solo once artistas seleccionados representarán a toda América, y además que León fue el único venezolano elegido para representarnos en este evento internacional, podemos imaginarnos la magnitud de las emociones que viven hoy dentro del pintor, que también es restaurador conservador de obras de patrimonio, fotógrafo, proyectista y constructor, son 55 años de trayectoria artística y una sin igual herencia familiar llena de gran talento y sabiduría la preciada carga que lleva dentro la Curiara Waraina, pero no teman, ella jamás podrá hundirse, porque si observan bien ella flota sobre el agua, impulsada por la fuerza inagotable de la creación de su autor y alimentada por la imaginación de todos los que al observarla sueñen con poder hacer un viaje dentro de ella.
De visita en el taller del artista
Al entrar es posible divisar hermosos trabajos de Pedro León en las paredes, dan la sensación de que se van a mover en cualquier segundo, la percepción queda confundida, la necesidad de comprobar la profundidad con las manos debe ser controlada, en uno de los muros los retratos de sus padres, el arte vive dentro de este gran artista, más abajo tesoros en procesos de restauración.
La mirada se dirige al pasillo, allí reposando en una perfecta caja de madera se encuentra la pintura que pronto iniciaría su largo recorrido, el autor con mucha amabilidad me realiza un recorrido a través de su lugar de trabajo, comparto aquí con ustedes sus palabras, producto de aquella amena charla:
“Mi nombre es Pedro León Carrillo, soy artista plástico con el arte en las venas, hijo de Pedro León Castro, Premio Nacional de Pintura 1944, y estoy dedicado de lleno a la plástica y al proceso de conservación de las obras que es un proceso bien difícil y a la restauración de obras de arte.
Respecto a la restauración: restaurar es volver algo a su proceso originario, para lograr eso se suscitan una cantidad de fenómenos químicos y ambientales producto del tiempo y el deterioro que este produce a través de los años, por eso mis estudios de Química en la ciudad de Dresde en Alemania, esos conocimientos me han ayudado a descubrir y analizar a profundidad estos procesos.
El Color: Uno de los temas más importantes y poco conocidos es el conocimiento sobre el Color, como restaurador me interesé mucho en las características del color y su reacción al contacto con los rayos ultravioleta y por supuesto a las condiciones ambientales, tales como la humedad, la temperatura, las vibraciones, en especial en las telas.
45 años de carrera en el área me han enseñado que son mucho mejor los trabajos de arte realizados sobre superficies rígidas que aquellos que se elaboran sobre telas. Por ejemplo ahora estoy restaurando una magnífica obra cuyo estado de elevado deterioro se debe al descuido, está particularmente estuvo colocada en un lugar donde ondeaba como una bandera a merced del viento, esto produjo las roturas del lienzo y la caída de la pintura convertida en polvillo por el resquebrajamiento del color. Esto ocurre por no respetar la debida tarea del cuidado.
La tarea curatorial: el mantenimiento debe ir de la mano de personas preparadas, es sumamente vital para conservar la vida y buena apariencia de la obra. Por ejemplo me ha sucedido que llega a mí un cliente con una obra a la que le cayó cloro al limpiarla por accidente o fue maltratada por la mano inexperta de la persona que hace la limpieza del hogar. Debe haber una persona con todo este conocimiento, una pintura aloja en su parte trasera hongos, insectos y bacterias que van a descomponer la propiedad de la tela y por consiguiente el color, poco a poco la obra sufre porque va deteriorándose la composición del tejido de la tela, donde regularmente muchos han usado algodones cuando lo ideal sería utilizar el lino debido a su composición más fibrosa, por eso las buenas telas deben ser linos.
Posteriormente la calidad del gesso que se coloca debe ser de primera, en la modernidad estos se han plastificado. Pero la magia está en lograr igualar químicamente la descomposición natural del color que posee el cuadro. Es decir, si un cuadro tiene 100 años expuesto a una luz indirecta eso equivale a un 10% de exposición a rayos ultravioleta, la condición de las medidas de elaboración del color deben ir de la mano a capturar el estado natural de la apariencia que corresponde a la época del cuadro, la idea es alcanzar el correcto igualamiento cromático. Hasta el momento he restaurado 250 obras aproximadamente y tengo el proyecto del libro donde recopilo todos estos conocimientos, gracias a Dios, he tenido la oportunidad de trabajar con obras de diferentes épocas, partiendo de nuestro arte colonial como por ejemplo Martín Tovar y Tovar, así como artistas internacionales y también dentro del arte contemporáneo. Los colores a usar, deberían permanecer tres veces nuestro promedio de vidas.
Hablamos de un proceso muy complejo que se inicia con la rigidización de la tela, que es un proceso nuestro, desarrollado en nuestro país., se lava con el jabón adecuado y se le da un baño de aceite, que es su estado natural, la hidratación con el aceite equivale a el agua que debemos tomar para el buen estado de nuestra piel. Por eso se llama pintura al óleo., debe hacerse cada año, lo realizo en museos, colecciones privadas y galerías.
Existe todo un tema con respecto a las técnicas utilizadas en el exterior, detesto el empleo de la cera para el tratamiento de la tela, en Europa se emplea mucho este tipo de trabajo que lejos de restaurar destruye la obra, ya que produce la aceleración de la oxidación del color.
En el Centro Histórico del estado Trujillo dicté un curso sobre curaduría y restauración de obras de caballete a un grupo de artistas, esto fue muy importante porque les otorgó conocimientos sobre el proceso en vivo. No deben de haber secretos, las recetas no se deben perder, el conocimiento se debe transmitir para que no se pierda.
Mi trabajo: la escuela que pude tener de mi Padre me enseñó a pintar obras que deben durar más de 100 años, él me decía. “no haga pintura comercial, haz pintura que pueda durar en el tiempo, haz, lo mejor que puedas” y eso es lo que yo hago sumándole la experiencia acumulada de años de curaduría. El gesso que yo utilizo nos acerca al fresco, mis piezas están hechas en madera pero no se va a modificar, no la moverá el viento como una bandera, es dura y rígida, le hice un gesso que tiene las propiedades del friso, pero no está tratado como el fresco, por medio de la oxidación de la cal, sino por la fusión del aceite de linaza base del color que está colocado desde la misma base del gesso.
Yo he logrado rigidizar mi obra, inspirado en los procesos de restauración de los EEUU, en cuanto a los vehículos antiguos, el vehículo representa para ellos el poder de la industria y es la evidencia de su dominio económico. Yo me quito el sombrero ante ese trabajo tan meticuloso y de resultados tan exquisitos. Esto ha traído consigo la moda retro en donde diseñadores modernos se inspiran en modelos de los años 40 por ejemplo.
Cada uno de mis cuadros me puede llevar de 6 meses a un año de trabajo, son casi 16 capas de pintura, utilizo desde la base del color puro en sólido hasta que utilizo tierra de sienas tostadas mezclada con otros tonos, diluidas en aceites para producir sombras, pero sobre capas de colores que ya existen, eso hace que tome solidez y eso le da permanencia en el tiempo.
Mis procesos creativos me han traído a la elaboración de las barcas, además está la construcción o necesidad académica, como lo es el estudio del cuerpo humano. Mi amiga Agueda Hernández Galerista y Crítico de Arte, una mujer que maneja un gran conocimiento, acaba de definir mi trabajo como un Realismo Lírico, de allí nace toda la poesía que yo expreso a través de la plástica. En mi propuesta de la figura humana trato de resaltar la belleza femenina, la mujer con todo lo que es, un ser hermoso.
Mis barcas flotan sobre planos de agua, consigo una esencia literaria expresada en la plástica, esa barca es un poema, es soledad, esa barca puede caer inclusive en un análisis de composición científico porque si queremos ella representa el principio de la flotabilidad, propuesto por Arquímedes.
Están los viajes, la barca amarrada a un tronco es una espera, es un poema, o es un regreso, la salida a algo muy grato, el sustento de una familia, transitan como personas en la ciudad y por eso puede haber muchas formas de representarlas.
Mi trabajo más resiente responde a la solicitud de una amiga Argelia Milano que me dijo: “Pedro pinta obras sacras”, ella es la directora de cultura de la USM, y me sugirió …“pinta algo religioso, a tu estilo”, porque yo no podía pintar algo sacro al estilo del Greco, sino al estilo de Pedro León, y pinté una virgen que es una mujer venezolana, morena de ojos aguarapaos, en criollo ojos café con leche que parecen verdosos, un ser sencillo que me ha dado la satisfacción de oír una de las críticas más bellas, y no de un crítico de arte, sino de una persona muy religiosa, quien dijo: “Para crear esta obra fue necesario un gran dibujante, un gran pintor, pero se necesitó algo más grande que un ser humano, se necesitó al espíritu santo”. 
Yo puse a mi Divina Pastora a hacer una peregrinación de galerías, ahorita se encuentra en su cuarta estación en la Galería Punto de ARTE. Luego estará por el mes de diciembre en la Capilla de la Universidad Católica Andrés Bello.
Fusiono creencias y símbolos, pero sin olvidar el consejo de mi Padre “de no olvidar nunca la técnica, porque cuando las musas se van queda la técnica, y ese es el arte”.
Contactos: @leon_carrillo (Twitter)
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